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jueves, 28 de noviembre de 2013

Paul robeson ,aquel gigante de gran corazón afroamericano y universal





                 PAUL ROBESON



Hace ya un tiempo viendo un documental sobre la guerra  civil española, en concreto los bombardeos y la resistencia en Madrid, observe que había un afrodescendiente cantando a las tropas antifascistas.Mil preguntas me asaltaron en aquel momento, quién será ese cantante dando vítores a los milicianos...tras un tiempo de búsqueda por internet y mil preguntas a entendidos en la materia,encontré todas las repuestas a mis dudas.

Paul Robeson nació en Princeton, Nueva Jersey, 9 de abril de 1898 y murió el 23 de enero de 1976  fue un actor políglota, atleta, cantante de conciertos, bajo profundo, escritor, abogado y activista de los derechos civiles y brigadista internacional en la guerra civil española.


Su vida

Hijo de un esclavo fugitivo que se había convertido en predicador protestante y que logró licenciarse en la Universidad de Lincoln. Su madre era proveniente de una familia de cuáqueros que había luchado por la abolición de la esclavitud en los Estados Unidos.
En 1910, la familia Robeson se tralada a Somerville, Nueva Jersey.Estudió en la Rutgers University, en Brunswick, Nueva Jersey, favorecido por una beca deportiva, pues era un excelente jugador de fútbol americano. Sin embargo, Robeson no quiso convertirse en un atleta sin titulación académica: obtuvo las mejores calificaciones de su clase y pasó a estudiar en la Universidad de Columbia, donde completó la licenciatura de Derecho. Por desgracia, la discriminación racial era un hecho habitual en aquellas fechas, y Robeson no pudo hallar trabajo en ningún despacho. . Fue el tercer estudiante de origen negro en aquella universidad. En su juventud, fue jugador de rugby, de béisbol y de baloncesto en la Universidad.
Si no hubiese sido por su condición de persona negra, Robeson hubiese constituido el prototipo heroico de la sociedad norteamericana de su época. El estigma era tan grande que llega al punto de que las demás universidades americanas, en general, se negaban a desarrollar competencias con la de Universidad de Rutgers, debido a que en su nómina tenía a un jugador negro. Jugó fútbol americano profesional en la American Professional Football Association (llamada después National Football League) con losAkron Pros y los Milwaukee Badgers.1 Después fue entrenador asistente en la Universidad Lincoln en Pensilvania.
A su ingreso en el Colegio de Abogados de Princeton, una mecanógrafa blanca rechazó escribir al dictado de un abogado negro, y esto lo hizo desistir de ser abogado, por lo que se dedicó a otras labores. Se convirtió en actor de teatro y de cine.
Fue amigo del gran cinesta soviético Sergéi Eisenstein y del dirigente keniano Jomo Kenyatta, así como de otros líderes mundiales de la época (de Nehru y de Emma Goldman). Como artista y como figura pública, fue aclamado por escritores y pensadores como Pablo Neruda, James Joyce y Ernest Hemingway.
A su hijo lo envió a estudiar a una universidad soviética, debido a que no quería que éste padeciera los prejuicios racistas estadounidenses.
De personalidad rebelde y asertivo, dirigió las primeras campañas de Estados Unidos reivindicando los derechos de la población afroamericana.
Se casó con Eslanda Cardozo Goode, quien le animó a que actuara en producciones teatrales a nivel de aficionado. En esa experiencia tuvo la oportunidad de conocer al dramaturgo progresista norteamericano de entonces, Eugene O'Neill, Premio Nobel de Literatura en 1936 y tres veces Premio Pulitzer: en 1920, 1922 y 1928.

Su figura como líder político y como artista

En 1925 tuvo la oportunidad de viajar al Reino Unido. Una vez allí, dice que tomó conciencia política y "aprendió que el carácter esencial de una nación no está determinado por las clases altas, sino por el pueblo, y que los pueblos de todas las naciones son hermanos en la gran familia de la Humanidad".
Comenzó a cantar spirituals, y otras canciones sobre la salvaje explotación de los negros del sur de los Estados Unidos, con su inconfundible y potente voz grave de barítono-bajo.
En la década de 1930, en sus viajes por Europa y la URSS, Robeson tomó contacto con los miembros de organizaciones antifascistas de los citados lugares, con los oprimidos y con la dirigencia de la clase obrera de la época. Empezó a comprender que su arte tenía la capacidad de servir a la lucha de los trabajadores de todo el mundo. Se convenció de que los afroamericanos, como descendientes de esclavos, tenían una cultura común con los trabajadores de otros países, que como sucedía en Rusia, eran descendientes de siervos. En la Unión Soviética fue donde según sus palabras se sintió tratado como un completo ser humano y vio que no había perjuicios contra los afroamericanos ni ningún tipo de discriminación racial.
Cantó blues, canciones contra la explotación y la esclavitud, himnos de los presidiarios, de los remeros del Volga, de los maquis, de las Brigadas Internacionales de la Guerra Civil Española, marchas rusas de los obreros y fragmentos del Porgy and Bess de George Gershwin, y su pieza emblemática Old Man River. También tradujo el Himno de la Unión Soviética al inglés en 1943.

      OLD MAN RIVER
   Río anciano (traducción)
Hay un viejo llamado el Mississippi,
es el viejo que a mí me gustaría ser,
 qué le importa si el mundo tiene problemas,
qué le importa si la tierra no es libre,
 Río anciano, 
ese río anciano
 debe saber algo, 
pero no dice nada,
 sólo sigue fluyendo,
 sigue fluyendo a lo largo,
no siembra papas, 
no siembra algodón,
y los que lo plantan pronto serán olvidados.
Pero el río anciano sigue fluyendo a lo largo,
tú y yo, 
sudamos y nos esforzamos,
 todo el cuerpo dolorido y arruinado por el dolor,
lleva esa barcaza!,
 ¡levanta ese fardo!,
 echa un pequeño trago y acabas en la cárcel,
Ah acabas cansado y harto de intentarlo,
 Oh, estoy cansado de vivir y asustado de morir,
pero el río anciano,
sólo sigue fluyendo.
 Todos los negros trabajan en el Mississippi,
todos los negros trabajan mientras la gente blanca juega,
 arrastrando esos botes desde el alba hasta el ocaso,
sin conseguir descanso hasta el día del juicio final,
 No mires arriba, 
no mires abajo,
no te atrevas a hacer fruncir el ceño al patrón blanco,
dobla tus rodillas y baja tu cabeza,
 y tira de esa cuerda hasta que te mueras,
déjame ir lejos del Mississippi,
 déjame ir lejos del patrón blanco.
 Muéstrame ese arroyo llamado río Jordán,
ése es el río que yo ansío cruzar,
Río anciano, 
ese río anciano, 
debe saber algo, 
pero no dice nada, 
sólo sigue fluyendo,
sigue fluyendo a lo largo,
 largo, 
río bajo,
para siempre sigue fluyendo, 
no siembra papas, 
no siembra algodón,
y los que lo plantan pronto serán olvidados,
pero el río anciano,
 sigue fluyendo a lo largo,
río abajo,
 tú y yo,
 sudamos y nos esforzamos,
 Todo el cuerpo dolorido y arruinado por el dolor,
¡Lleva esa barcaza!,
 ¡Levanta ese fardo!,
 echa un pequeño trago y acabas en la cárcel,
 Ah acabas cansado y harto de intentarlo,
Oh, estoy cansado de vivir y asustado de morir, 
pero el río anciano,
sólo sigue fluyendo.

A partir de la llegada del nacionalsocialismo a Alemania en 1933, Robeson se convirtió en un activo opositor a esta ideología. Participó en la Guerra Civil Española dentro la Brigada Lincoln, compuesta por voluntarios antifascistas estadounidenses,entre los que se encontraban 98 afroamericanos , como el capitán Oliver Law En un mitin antifascista contra el levantamiento de Francisco Franco contra la República en 1936, Robeson dijo: 
"El artista debe tomar partido. Debe elegir luchar por la libertad o por la esclavitud. Yo he elegido. No tenía otra alternativa".

 Paul Robeson interpreta una versión musicada del poema de Federico García Lorca , los cuatro muleros , canción protesta contra los llamados Nacionales en la guerra civil Española, cantante que apoyo la causa republicana también llamada roja, visito nuestro país y actuó para las tropas del bando republicano en acción solidaria, esta canción es un ejemplo ,sin duda Paul Robeson no solo pasara a la historia por su bella voz, también fue un luchador por los derechos de los oprimidos.


Los brigadistas de la Lincoln cantaban un spiritual negro que él había popularizado: “Join in the fight”, una llamada a la lucha a los “camaradas negros” (como decía la canción).
Los Negro Spirituals son el resultado musical de la violencia (física y / o moral) ejercida sobre los esclavos afroamericanos para hacerles olvidar sus religiones y su identidad africana. El propio Robeson fue el primero que llevó esta humilde música religiosa a los escenarios introduciendo los spirituals en sus recitales de canto lírico. Para un artista comprometido y educado como él, interpretar las canciones de los sectores más pobres e ignorantes de la población era la manera de revindicar la valía y el mérito de la cultura popular frente a la tradición culta y académica dependiente del favor de los poderosos y de sus simpatías o antipatías hacia el artista. Parece ser que muchas de las canciones contenían contraseñas para los esclavos fugitivos y los paralelismos entre las historias de la Biblia y las penalidades de los esclavos se manifiestan de muchas formas diferentes. En el escalofriante We Are Climbing Jacob's Ladder, la imagen bíblica de la escalera que une el cielo y la tierra se convierte en metáfora de las penalidades que habían de soportar los esclavos. La versión de Robeson es grave y contenida. Su formación clásica le impide perder la compostura y es sólo a través de la vehemencia de su interpretación y del rotundo fraseo con el que declama la letra que la intención de denuncia del intérprete se hace patente para el oyente.
 Como anécdota, Robeson visitó y actuó en una gala en beneficio de los niños vascos refugiados en Inglaterra, quienes quedaron sumamente impresionados.
        

Intervino en once películas. La primera de ellas fue Body and Soul, dirigida en 1925 por Oscar Micheaux, un pionero del llamado cine independiente que, sin dinero, logró producir cerca de 40 películas, entre 1919 y 1948, involucrando temas y actores afroamericanos.

Con una imponente calidad de actor, Robeson interpretó a dos personajes gemelos: un criminal disfrazado de reverendo eclesiástico y un joven comerciante, ambos enamorados de la misma mujer. Esta constituyó una película intensa sobre temas y valores colectivos, una película muda en donde, de manera paradójica, la poderosa voz de Robeson estuvo ausente. Sin embargo, era interpretada por un acompañamiento musical de gran significación en la historia del jazz contemporáneo, ya que se trató de la orquesta de jazz del Lincoln Center, que dirigía en ese entonces Wynton Marsalis, que había encomendado a otro icono del jazz, Wycliffe Gordon, la elaboración de un acompañamiento que fue ejecutada en vivo durante las dos proyecciones de la película de Oscar Micheaux y Robeson, tal como se estilaba en la época presonora del cine. Tanto Marsalis como el pianista Marcus Printup, acompañados de un grupo de jazz de los más importantes del momento, rindieron este homenaje a los precursores del cine afroamericano.
Paul Robeson no constituyó el típico cantante o actor norteamericano, carente de formación, ya que era poseedor de una extensa ilustración y una amplia cultura, pues tenía una extraordinaria preparación intelectual y hablaba más de veinte idiomas. En 1952 la Unión Soviética le concedió el Premio Lenin de la Paz (por aquel entonces llamado Premio Stalin de la Paz).

La persecución política


Paul Robeson, como pintado por Betsy Graves Reyneau, en la colección de laNational Archives and Records Administration
Sufrió la persecución feroz del macartismo y del propio FBI. Durante un interrogatorio ante el Senado norteamericano, cuando le preguntaron que por qué no se quedaba en la Unión Soviética, contestó: "Porque mi padre era un esclavo, y mi gente murió para construir este país, y voy a permanecer aquí y a tener una parte de él, exactamente igual que usted, y ningún fascista importado me sacará de él."
El Comité de Actividades Antiamericanas acabó declarando que Robeson había intentado construir un Estado prosoviético en el sur de los Estados Unidos y le privó de su pasaporte.
Este hecho acabó con su carrera. Cerca de 80 de sus conciertos fueron cancelados. En 1949, dos conciertos al aire libre en Peekskill(Nueva York) fueron atacados por grupos racistas sin que la Policía estatal hiciera nada para impedirlo. Para la ocasión, Robeson declaró: "Voy a cantar donde quiera que la gente quiera que cante... y no me asustan las cruces que arden (en alusión al Ku Klux Klan), ni en Peekskill ni en cualquier otro lugar".

Reconocimientos a su significación política

Otro de sus grandes amigos fue Albert Einstein, con quien compartía su anhelo por la paz mundial. Fue liquidado en vida por la prensa norteamericana, que le dio poco espacio a su figura hasta lograr marginarlo por completo.
Se dice que era uno de los cantantes preferidos por Pablo Neruda, quien le reservó un espacio en su Canto General:
"Pues bien, esta mañana vuelve al mármol el odio/ el odio del Sur blanco hacia el viejo dormido/ en las iglesias los negros están solos con Dios/ con Dios según lo creen las plazas/ en los tres el mundo tienen ciertos letreros/ que dividen el cielo el agua el aire/ qué vida tan perfecta dice la delicada/ señorita y en Georgia matan a palos/ cada semana a un joven negro/ mientras Paul Robeson canta como la tierra/ como el comienzo del mar y de la vida/ canta sobre la crueldad y los avisos/ de Coca-Cola canta para hermanos/ de mundo a mundo entre los castigos/ canta para los nuevos hijos para/ que el hombre oiga y detenga su látigo/ la mano cruel la mano que Lincoln abatiera/ la mano que resurge como una blanca víbora/ el viento pasa el viento sobre la tumba trae/ conversaciones restos de juramentos algo/ que llora sobre el mármol como una lluvia fina/ de antiguos olvidados dolores insepultos/ el Klan mató a un bárbaro persiguiéndolo/ colgando al pobre negro que aullaba quemándolo/ vivo y agujerado por los tiros/ bajo sus capuchones los prósperos rotarios/ no saben así creen que sólo son verdugos/ cobardes carniceros detritus del dinero/ con la cruz de Caín regresan/ a lavarse las manos a rezar el domingo/ telefonean al Senado contando sus hazañas".

Reconocimiento como figura deportiva

Robeson es reconocido como uno de los tres primeros afroamericanos que jugaron fútbol americano profesional en la National Football League (los otros dos fueron Fritz Pollard y Bobby Marshall). Jugó para los equipos Akron Pros y Milwaukee Badgers. Fue entrenador asistente en la Universidad Lincoln en Pensilvania. En 1995, 19 años después de su fallecimiento, fue seleccionado para el Salón de la Fama del Fútbol Americano Universitario2



Poema XXVIII/XI/2013: "Abraza la oscuridad" Charles Bukowski.


Poema XXVIII/XI/2013: 

"Abraza la oscuridad"
Charles Bukowski.



Fred Einaudi, artista nacido en Los Ángeles, California, óleo  de la serie Postales desde el Apocalipsis


                       ABRAZA LA OSCURIDAD


La confusión es el dios
la locura es el dios

la paz permanente de la vida
es la paz permanente de la muerte.

La agonía puede matar
o puede sustentar la vida
pero la paz es siempre horrible
la paz es la peor cosa
caminando
hablando
sonriendo
pareciendo ser.

no olvides las aceras,
las putas,
la traición,
el gusano en la manzana,
los bares, las cárceles
los suicidios de los amantes.

aquí en Estados Unidos
hemos asesinado a un presidente y a su hermano,
otro presidente ha tenido que dejar el cargo.

La gente que cree en la política
es como la gente que cree en dios:
sorben aire con pajitas
torcidas

no hay dios
no hay política
no hay paz
no hay amor
no hay control
no hay planes

mantente alejado de dios
permanece angustiado

deslízate.





martes, 26 de noviembre de 2013

How They Get There (Spike Jonze Short Film)

How They Get There (Spike Jonze Short Film)

Probablemente uno de los cortometrajes que más me gustan hecho por uno de los realizadores más bestias del videoclip y protagonizado por Mark Gonzales, uno de los mejores skaters de la historia.




Borrowed Light

          Borrowed Light  

Director/Animator: Olivia HUYNH
Animation Assistant: Juliana CHEN
Sound Design: Lachlan HARRIS
Music: Joseph BARRATT Song in Nightclub: 'Ja Mann!' by Edu K
Official selection at Animation Block Party 2013
Official selection at Sweaty Eyeballs Festival 2013
Official selection at Animateka Elephant International Children's Competition Programme 2013
Official selection and winner of Best Tactical Urbanism Short Film at New Urbanism Film Festival 2013
Official selection at Beloit International Film Festival 2014

       

http://www.oliviawhen.com/Página de esta pedazo ilustradora y animadora.

El empleo




                     EL EMPLEO / THE EMPLOYMENT

Dirección / Direction: Santiago 'Bou' Grasso
Idea: Patricio Plaza
Animación / Animation: Santiago Grasso / Patricio Plaza
Productora / Production company: Opusbou




http://www.opusbou.com.ar/ Página de la productora donde se pueden ver todos los trabajos

XXVI/ XI/ 2013: Rostro de vos; Mario Benedetti

  ROSTRO DE VOS MARIO BENEDETTI


Zdzisław Beksínski,24 de Febrero 1929, SanokPolonia – 21 de Febrero de 2005, Varsovia, Polonia) fue un renombrado pintor, fotografo y escultor polaco  
Rostro de vos  

Tengo una soledad
tan concurrida
tan llena de nostalgias
y de rostros de vos
de adioses hace tiempo
y besos bienvenidos
de primeras de cambio
y de último vagón.

Tengo una soledad
tan concurrida
que puedo organizarla
como una procesión
por colores
tamaños
y promesas
por época
por tacto
y por sabor.

Sin temblor de más
me abrazo a tus ausencias
que asisten y me asisten
con mi rostro de vos.

Estoy lleno de sombras
de noches y deseos
de risas y de alguna
maldición.

Mis huéspedes concurren,
concurren como sueños
con sus rencores nuevos
su falta de candor
yo les pongo una escoba
tras la puerta
porque quiero estar solo
con mi rostro de vos.

Pero el rostro de vos
mira a otra parte
con sus ojos de amor
que ya no aman
como víveres
que buscan su hambre
miran y miran
y apagan mi jornada.

Las paredes se van
queda la noche
las nostalgias se van
no queda nada.

Ya mi rostro de vos
cierra los ojos
y es una soledad
tan desolada.

lunes, 25 de noviembre de 2013

Louis Malle


                  LOUIS MALLE



Louis Malle (Thumeries30 de octubre de 1932 - Beverly HillsCalifornia23 de noviembre de 1995); fue un camarógrafoguionistadocumentalista y director francés, realizador de notables películas y documentales. Empezó a dirigir en Francia en 1955; vivió y trabajó en Estados Unidos de 1978 a 1986, pero regresó a su país en 1987, donde continuó su obra.
Nacido en Thumeries, departamento de Nord en 1932, Malle provenía de una familia de industriales del azúcar (era nieto de Henri Béghin, el fundador de la marca de azúcar Beghin-Say),una familia de clase alta y burguesa aunque criticó como pocos la moral de su clase
Creció en un ambiente muy acomodado y pasó por distintos internados católicos (entre ellos el que evocará en su película Adiós, muchachos).Alumno de los jesuitas en Fontainebleau y graduado en Ciencias Políticas en la Universidad de la Sorbona, Malle había nacido en una familia de siete hermanos, descendiente de un noble francés que había hecho su fortuna durante las Guerras Napoleónicas. Se interesó pronto por la fotografía y la imagen. En un principio su familia no vio con buenos ojos que se dedicara al cine, pero completó su educación en el Institute Des Hautes Études Cinematographiques (IDHEC).

Como fotógrafo conoció a Jacques Cousteau, se enamoró de su proyecto y se embarcó en “La Calypso” para convertirse, según palabras del propio Cousteau, en el mejor cámara submarino que había tenido jamás. De su trabajo conjunto surgió Le monde du silence, que se convirtió en la primera película de Malle como director, aparte de su labor como director de fotografía, y que le hizo ganar un Oscar al mejor documental y la Palma de Oro al mejor director, compartida con Jacques Cousteau.
La carrera de Malle, que se extiende a lo largo de casi cuarenta años, se beneficia también de su aportación como guionista y actor. La necesidad de escribir los guiones proviene en su caso tanto del establecimiento de su filosofía como de algún ejercicio autobiográfico.Fue coetáneo de la Nouvelle Vague y de cineastas como François Truffaut, Jean-Luc Godard o Claude Chabrol, ,pero nunca se enmarcó en ningún movimiento ético ni estético. Hombre de profundas convicciones, Malle labró una carrera cinematográfica firme, personal y sincera que le valió el reconocimiento de la crítica (aunque también recibió los abucheos de los sectores más moralistas) y le convirtió en uno de los cineastas más queridos por los cinéfilos más exigentes..Transitó por un camino periférico, más personal e independiente, reflexionando a menudo sobre el peso que ejerce el pasado, sobre todo el que vivimos durante la adolescencia y la infancia. En definitiva, la muerte de la inocencia. 

1971 Le souffle au coeur - El soplo al corazón (Benoit Ferreux and Louis Malle)

Desde Los amantes hasta Herida, Malle extiende su concepción de la sexualidad, sobre todo femenina, con distintas reacciones por parte del público y la crítica a lo largo de las épocas. A causa de su militante ruptura de los tabúes eróticos, encontró casos como el ocurrido en 1968, en el que el Tribunal Supremo de EE.UU. acusaba de obscenidad a una sala de Ohio que proyectaba Los amantes. Quizá esta fuera la razón principal por la que Malle fue tan reacio a introducirse de lleno en el ambiente hollywoodiense.

Ya había rodado algunos de sus títulos más significativos, como Zazie en el metro o El soplo al corazón -que le valió una nominación al Oscar en el apartado de mejor guión original-, cuando viajó a Estados Unidos. Allí conoció a la actriz Susan Sarandon, con quien inició una relación que les llevaría a colaborar en títulos como La pequeña -cuya banda sonora fue nominada al Oscar- o Atlantic City, que aunque no llegó a conseguir ninguna estatuilla obtuvo cinco nominaciones al Oscar y tres a los Globos de Oro.
Pero pronto la relación con Sarandon fracasó y además Malle comenzó a encontrar dificultades para rodar. Después de Atlantic City realizó tres películas que le brindarían la oportunidad de dirigir a Ed Harris, Sean Penn y Donald Sutherland, y dos largometrajes para televisión, God’s Country y And the Pursuit of Happiness, a los que también presta su voz como narrador.
El regreso a Francia tendrá un doble significado: el reencuentro con el cine europeo y consigo mismo.                                                                                                                                                      
                                                                              

Adiós, muchachos  le ofrece la oportunidad de exorcizar su propia experiencia de la ocupación alemana en Francia durante la Segunda Guerra Mundial,sin duda una de mis películas preferidas, aunque obra catártica no deja de ser un bello canto a la amistad y el compromiso como valores éticos.  La historia se desarrolla en 1944 en un colegio católico que refugia a niños judíos.En esta película, Louis Malle narra sus recuerdos de la guerra. La historia, en parte autobiográfica, ya que él fue testigo de una situación similar durante su infancia, trata de un joven judío que se había ocultado en su internado, pero fue luego descubierto por la Gestapo y deportado. Malle declaró que ese tema le había perseguido desde siempre y que, de hecho, esta historia trágica es la que le había llevado al cine.

La película retoma también algunos elementos de películas anteriores; de Lacombe Lucien toma al colaboracionista contra su voluntad; de El soplo en el corazón, la intensa relación entre madre e hijo. Tampoco aquí emite ningún juicio de valor sobre nadie, no hay ni buenos ni malos, sólo un cierto fatalismo. La película fue un éxito y ganó diversos premios.  Au revoir, les enfants obtuvo siete Cesar de la academia francesa y el León de oro en el festival de Venecia, además de dos nominaciones a los Oscar.


Cuentan que Malle lloró la noche del estreno, lo que da una idea de su implicación directa con la historia.Adiós, muchachos obtuvo dos nominaciones al Oscar en los apartados de película y guión y una a los Globos de oro como mejor película extranjera. En Europa serían más generosos: ganó el Félix al mejor guión y el León de Oro premió a Malle como mejor director.


Su primer largometraje como director y guionista fue Ascenseur pour l'échafaud (Ascensor para el cadalso, 1958), ganadora del premio Louis Delluc y con una espléndida banda sonora de Miles Davis. Miles y sus músicos ”improvisaron” la banda sonora completa durante una única sesión que duró ocho horas  Louis Malle proyectó a Miles Davis la película sin banda sonora y éste, dándose la coincidencia de que la mayoría de los conciertos habían sido suspendidos, se comprometió con la condición de tener un piano y un proyector en su habitación del hotel.
Dos semanas después, con unas partituras esbozadas bajo el brazo, se reunió con los músicos del cuarteto de René Urtreger (R.U. al piano, Barney Wilen al saxo tenor, Pierre Michelot al contrabajo y el baterista Kenny Clarke), en el estudio Poste Parisien, un edificio lúgubre y oscuro muy acorde con el ambiente de la película. Era la noche del 4 al 5 de diciembre de 1957. Las escenas que precisaban de banda sonora habían sido montadas en continuo para ser visionadas las veces que fueran necesarias, y los músicos comenzaron a improvisar sobre la partitura con el alma puesta en la pantalla. Según un texto de Boris Vian, que estuvo presente en la sesión, la mismísima Jeanne Moreau había preparado un minibar para atender a los músicos durante la grabación. ¿Se puede pedir mejor inspiración?
“La grabación se realizó en el estudio Poste Parisien en una atmósfera muy relajada. Allí estaba Jeanne Moreau, la protagonista de la película, que de manera encantadora atendía a los músicos y técnicos en un bar improvisado en el estudio. También estaban presentes los productores y técnicos y Louis Malle, en tirantes, que intentaba sacarle de Miles Davis todo lo que deseaba añadirle a la imagen. Los músicos, totalmente relajados, veían pasar en la pantalla las principales escenas de la película, y situados así en el ambiente, se lanzaban a improvisar a medida que transcurría la proyección. es de señalar, en la toma Dîner au motel, la extraña sonoridad de la trompeta de Miles. En un momento determinado, un trozo de fragmento de piel se despegó de su labio para ir a colocarse en la boquilla. De Igual manera que los pintores deben a veces al azar la calidad plástica de sus tonos, Miles aceptó con agrado este nuevo elemento " inaudito" en el sentido literal de la palabra, jamás escuchado. No hay duda de que el oyente, incluso privado de las imágenes, será sensible al clima hechizante y trágico creado por el gran músico negro, sostenido admirablemente por sus compañeros de equipo" (Boris Vian, 1957).
La pena de esta historia es que el quinteto sólo existió para esta grabación y para los dos conciertos para los que habían sido contratados, uno en el Olympia y otro en Amsterdam.

LA PELÍCULA

El resultado es impactante. Lejos de los estereotipos del cine negro americano (del que es evidente que bebe) el cine noir francés es más humano, menos superficial, y la narración suele ser más emocional. Importan más las pasiones y las debilidades humanas, emociones que resalta la lacónica trompeta de Miles de una forma espeluznante: ese lado oscuro del espíritu humano, la urgencia de una pasión ilegal, la traición (Julien pretende matar a su jefe, aunque él es su mano derecha) y en especial en esa escena tan celebrada en la que Florence (interpretada por Jeanne Moreau) deambula por los barrios bajos (ah, esos barrios en blanco y negro) preguntando a viejos conocidos por el amante que la ha dejado plantada, mientras la trompeta de Miles va dejando notas de una inquietante incertidumbre en el aire...
No alcanzo a imaginar cómo sería visionar Ascensor para el cadalso con otra banda sonora. La sordina de Miles está llena de matices en blanco y negro: perdición, incertidumbre, ansiedad, desesperación, pasión... La mezcla es perfecta, la banda sonora aglutina y da la consistencia definitiva a la película.
Creo que no sólo es una de las mejores bandas sonoras de jazz sino que es la más emocionante que he oído jamás. Esta es la banda sonora completa: 


Jeanne Moreau era la protagonista de esta historia policíaca, y la actriz repetiría con Malle ese mismo año con Les Amants (Los amantes, 1958), cinta que obtuvo el premio especial del jurado en el festival de Venecia. Les Amants sorprendió al público, tuvo un enorme éxito y fue el inició de su fama como director polémico. Jeanne Moreau interpretaba a una mujer de clase media, que despierta a la sexualidad después de varios años de frustraciones. La película contiene una clara crítica a la burguesía y su contenido provocó la intervención de la Corte suprema de Estados Unidos tras su estreno. Su situación económica le permitía gozar de recursos propios. Produce, escribe y dirige su siguiente película Zazie dans le métro (Zazie en el metro, 1960), una sátira de la sociedad francesa vista desde los ojos de la pequeña Zazie. Rindiendo homenaje a la estética pop y el "slapstick", Malle cuenta la visión del mundo adulto que tiene una niña de doce años mientras pasa el día al lado de su excéntrico tío en París durante la visita de su madre al amante de ésta. 

Dos años más tarde filma Vie privée (Vida Privada, 1962), protagonizada por Brigitte Bardot y Marcello Mastroianni, con guión del propio Malle y Jean-Paul Rappeneau. Vuelve a obtener el premio especial del jurado en el festival de Venecia con  (Fuego Fatuo, 1963), que escribe y dirige y en la que vuelve a tratar un tema polémico, el suicidio. En 1965 vuelve a trabajar con Jeanne Moreau y Brigitte Bardot en Viva Maria!.

Fotograma Le feu follet

En 1965 se casa con Anne-Marie Deschodt, su primera esposa, pero esa unión dura tan sólo dos años. Dirige a Jean-Paul Belmondo y Geneviève Bujold en Le voleur, de 1967 y se consagra como documentalista con Calcutta (1969), una impactante visión de la ciudad de la India y sus contrastes, en la que pone la voz a la escueta narración y vuelve a ser guionista. Su viaje de seis meses a la India también tuvo como resultado una aclamada serie de televisión de siete episodios, L'Inde fantome. Sus dos siguientes películas vuelven a levantar cierta polémica. Tras su regreso de la India rueda Le souffle au coeur (El soplo al corazón, 1971), en la que describe la relación incestuosa entre una madre y su hijo y que genera una fuerte polémica en Francia, pero obtiene con ella su primera nominación al Oscar por el guión original.
 Relatada con total libertad y sin ningún tipo de juicio respecto a sus protagonistas, la película muestra a la perfección las maneras de un cineasta que en ningún caso buscó la polémica sino la destrucción de los tabúes que todavía hoy aterran a nuestra 'liberal' sociedad. Protagonizada por Lea Massari, en la cinta participa la que sería pareja de Malle durante cerca de tres años, Gila von Weitershausen, que tuvo un hijo del director. Lacombe Lucien(1974), 


premiada en diversos festivales y nominada al Oscar como película de habla no inglesa, describe la ocupación alemana en Francia durante la Segunda Guerra Mundial y la evolución hacia el colaboracionismo de su joven protagonista.

EE.UU.:
Tras la nueva polémica Louis Malle se traslada a Hollywood donde filmará algunas de sus películas más importantes. Dirige y produce Pretty Baby
 (La pequeña, 1978), el fin que lanza a la fama a Brooke Shields y que también protagoniza Susan Sarandon. 


Con esta actriz mantendrá un romance y Sarandon protagonizará su siguiente película americana, Atlantic City (1980). Atlantic City obtiene cinco nominaciones a los Oscar, entre otras mejor director, película, actor para un espléndido Burt Lancaster y actriz para Susan Sarandon. Ampliamente premiada en distintos festivales la película obtuvo el León de oro en el festival de Venecia y el British Film Academy Award. Ese mismo año se casa con la actriz Candice Bergen, con la que tendrá una hija, Chloe Malle, y con la que estaría casado hasta su muerte en 1995. En 1981 dirige My Dinner with Andre, film que obtiene buenas críticas en Estados Unidos.



Su vida discurre entre Francia y los Estados Unidos y en la década de los noventa dirige sus tres últimas películas antes de caer gravemente enfermo. La comedia negra Milou en mai (Milou en mayo, 1990), protagonizada por Michel Piccoli, Damage (Herida, 1992) y Vanya on 42nd Street (Vania en la calle 42, 1994). La polémica vuelve con Damage, película protagonizada por Juliette Binoche y Jeremy Irons, criticada por su forma de presentar la relación sexual de sus protagonistas. 



Vanya on 42nd Street (Vania en la calle 42, 1994), basada en la versión de David Mamet, es la filmación de los ensayos de una compañía teatral de cara a la representación de la obra de Chejov.


Filmografía:

1956 Le monde du silence  (El mundo del silencio) Codirigida con Jacques-Yves Cousteau 
  
1958 Ascenseur pour l'échafaud (Ascensor para el cadalso) Jeanne Moreau, Maurice Ronet 
  
1958 Les amants (Los amantes) Jeanne Moreau, Jean-Marc Bory, José Luís de Villalonga 
  
1960 Zazie dans le métro (Zazie en el metro) Catherine Demongeot, Philippe Noiret 
  
1962 Vie privée (Una vida privada)  Brigitte Bardot, Marcello Mastroianni 
  
1963 Le feu follet  (El fuego fatuo)  Maurice Ronet, Jeanne Moreau 
  
1965 Viva Maria! (¡Viva María!) Brigitte Bardot, Jeanne Moreau 
  
1967 Le voleur  (Ladrón de París) Jean-Paul Belmondo, Geneviève Bujold 
  
1968 Histoires extraordinaires (framento) Codirigida con Federico Fellini y Roger Vadim 
 Brigitte Bardot, Alain Delon 
  
1969 Calcutta (Calcuta)  Doumental 
  
1971 Le souffle au coeur  (Un soplo en el corazón) Lea Massari, Benoit Ferreux 
  
1974 Lacombe Lucien (Lacombe Lucien) Pierre Blaise, Aurore Clément 
  
1975 Black Moon (El unicornio / Luna negra) Therese Giehse, Cathryn Harrison 
  
1978 Pretty Baby (La pequeña) Brooke Shields, Keith Carradine, Susan Sarandon 
  
1980 Atlantic City (Atlantic City) Burt Lancaster, Susan Sarandon 
  
1981 My Dinner with Andre (Mi cena con André)  Wallace Shawn, Andre Gregory 
  
1984 Crackers (Crackers) Donald Sutherland, Jack Warden, Sean Penn 
  
1985 Alamo Bay (Alamo Bay, la bahía del odio) Ed Harris, Amy Madigan 
  
1987 Au revoir, les enfants (Adiós, muchachos) Gaspard Manesse, Raphael Fetjo 
  
1990 Milou en mai (Milou en mayo) Miou-Miou, Michel Piccoli 
  
1992 Damage (Herida) Jeremy Irons, Juliette Binoche 
  
1994 Vanya on 42nd Street (Vania en la calle 42) Julianne Moore, Wallace Shawn 


Sin duda uno de mis directores favoritos.